Le cadrage



La règle des 180°


C'est la base.
Quand eux personnages interagissent, vous pouvez tracer une ligne imaginaire entre ces deux persos : c'est l'axe d'action. Dès lors, vous placez votre caméra d'un côté, et n'en changez pas, autrement dit vous pouvez vous promener dans ces 180° d'angle. Et voila, c'est tout ^^ !

Pourquoi me dites vous ? Prenez l'image ci-dessous qui illustre le phénomène : Tant que vous restez dans vos 180°, A reste à gauche et B à droite. Lors d'un dialogue, l'oeil du spectateur navigue de faço fluide et sans accros, il y a un jeu de réponse entre la droite et la gauche de votre image. Mais si vous ne respectez pas la règle, un visage va venir se coller par-dessus de celui qui vient de répondre et l'illusion du dialogue que vous créez dans votre image - ce dialogue visuel - disparait. Et même si ce n'est pas toujours choquant pour les non averti, cela diminuera fortement l'impression global que l'audience aura pour le film.

180 degree rule


Si un nouveau personnage C entre, un nouvel axe se crée et vous réappliquez la règle de la même façon. Si vous rencontrez une difficultée dans le sens où l'action requièrrait de superposer le visage de C sur celui de A par exemple, paotez légèrement votre caméra de façon à changer A de côté avant de passer à C ;)

Cette règle ne vaut pas que pour les dialogues, elle vaut aussi pour l'action en général : si vos personnages ou objet se déplace de gauche à droite, il faut préserver le sens de laction. Si soudain, vous le voyez soudain passer dans l'autre sens à cause d'un mauvais placement de caméra, vous aurez l'impression que le personnage ou objet a changé de sens ou d'avoir fumé.



La règle des 30°

C'est la suite.
En fait il s'agit simplement de dire que si vous déplacez votre caméra, faites le de façon à ce que l'on voye que c'est un autre plan. Si votre changement est trop fabile, on aura l'illusion que c'est un saut : un mauvais raccord. Et c'est là que la règle des 30° intervient, ce n'est pas une règle à proprement parler, mais plutôt une minimum indiquée.




Le nombre d'or

C'est la beauté elle-même.
Pour ne pas rentrer dans les détails sur le nombre d'or, appliqué au cinéma, ça donne une division de l'image en tiers.

third

Et à chaque point d'intersection, vous avez un point fort de l'image. Autrement dit, on tendra à placer les éléments importants de l'image sur ces points, comme souvent les yeux d'un personnage sur un des point supérieur. Il n'y a pas de règle absolu en terme de cadrage, mais vous noterez que - les format cine avec un ratio plus grand que le 16:9 aidant - il est rare de voir des sujets parfaitement centrés au cinéma. Souvent on place le sujet dans un tier, et on ouvre les deux tiers restants dans la direction du mouvement ou du regard...

SI vous pouvez avoir des marques pour vous aider sur votre caméra, je le recommande vivement et sinon pensez au système D, c'est un outil très puissant !



Le quadrant

C'est un bon outils.
L'idée est de diviser votre image en quatre. (Ah bon mais je pensait que c'était des tiers ?) Alors oui ne mélangeons pas : même en plaçant vos personnages ou éléments essentiels sur les tiers, vous pouvez toujours décomposer votre image en quatre. Au contraire ça fait même beaucopu de sens : en divisant votre image en quatre, vous avez un point d'intérêt dans chaque quart.


third
Mais alors pourquoi faire ? Il ne s'agit ici pas d'une règle, juste d'un outil que vous êtes libre ou non d'utiliser. La vidéo ci-dessous de Every Frame a Painting illustre bien le concepte, et même si vous ne parlez pas anglais, je suis sûre qu'avec les images vous sentirez de quoi il s'agit : comment que la dynamique se répparti entre les quarts.